“Mo Dao Zu Shi” sta conquistando un pubblico sempre più ampio. E’ la storia d’amore fra un impeccabile gentiluomo e un ribelle, fra guerre di clan e intrighi di potere.
“Mo Dao Zu Shi” sta conquistando un pubblico sempre più ampio. E’ la storia d’amore fra un impeccabile gentiluomo e un ribelle, fra guerre di clan e intrighi di potere.
Ne “L’isola di Arturo”, celebre romanzo di Elsa Morante, Wilhelm è il padre del protagonista. Il suo orientamento sessuale è un segreto…
A febbraio ho cominciato a respirare di nuovo, tra la vernice scrostata dei palazzi di Rozzano e i laghetti di Milano 3. Bazzi è stato la mia terapia letteraria, l’unica adatta per me in questo momento. Mi sono immersa in Febbre, pubblicato nel 2019, solo ora. Iniziare subito dopo Corpi minori – appena uscito – è stata una necessità vitale.
In Febbre si alternano il diario del sé bambino, poi adolescente e il flusso di coscienza del sé trentenne, preda di una febbre e di un male senza nome. Poi arriva la diagnosi, pronta a inchiodarlo al responso interno del corpo: sieropositivo.
Morto, straccio, “pesce dalle budella rivoltate”, ma almeno con in mano una causa. Il referto è il volto che hanno le giornate sul divano senza la forza neanche di andare in bagno, le sudate continue, i brividi di freddo e il sonno ininterrotto. Decade il dannarsi di una vita per evitare una forma, quel sottrarsi alla brutalità dell’incarnazione (cantante, pittore, filosofo, giornalista) per essere tutto. Avere l’HIV. Essere sieropositivo. Di colpo far parte di una grande comunità invisibile, che cammina ai bordi.
Rozzano l’ha abituato all’abitare i margini, rendendoli vivibili. Tra sparatorie, spacci, grettezza e ideologia mafiosa non è possibile fiorire. Si può solo sopravvivere o morire. Trattenere il fiato all’esterno per respirare solo all’interno – nella piccola nicchia fatta di chat, tv, letture, astrologia e tarocchi – è la strategia che Jonathan adolescente adotta. Il non respirare rende anche impossibile emettere suoni vocali: la balbuzie lo inghiotte. Diventa impossibile leggere ad alta voce a scuola, parlare alle interrogazioni, entrare nei negozi, rispondere al telefono. I confini del mondo iniziano e finiscono in una stanza.
Il terrore che Rozzano sia un destino è un punto fermo. Ci sono colonne d’Ercole a delimitarla. L’HIV è il marchio di fabbrica, uno dei modi in cui Rozzano cerca di recuperare chi è fuggito. Non potersi più alzare dal divano e non avere le forze di uscire di casa è tornare indietro nel tempo.
Bazzi abbraccia un percorso che si ripete in modo speculare nella sua vita e va dal camminare ai bordi al rifiutarsi di farlo, prendendo progressivamente spazio. Scegliere la via della verità come non nascondimento, secondo l’etimologia greca, è la salvezza. “Davanti al pregiudizio alzare la posta: meglio tacere? Lo sapranno anche i muri.” Il patto non scritto della vergogna si rompe mostrando l’intercapedine a cui costringe i deviati, i diversi, gli anormali. Farsi carico dello “spazio di esclusione” e portarlo nel regime di visibilità è l’unica via.
Nel dicembre del 2016 Jonathan Bazzi decide di esporre pubblicamente il suo eterno parassita, dopo aver cominciato ad addomesticarlo con la quotidiana pillola rosa pallido. Scrive un articolo per portare alla ribalta questa sua caratteristica, una tra tante, permanente e irrilevante per la definizione dell’io, come può essere avere gli occhi marroni. Destigmatizzare tanti volti silenti affetti dal virus e far sì che il loro contatto generi un’anima comune. Come la psicoterapia secondo J. Hillman, la divulgazione attivista “fa anima”, rende possibile un’unione mistica, un’alleanza dei corpi coinvolti. I non toccati, gli esenti, possono invece indignarsi o cominciare a comprendere.
“Il virus riguarda più voi, che me”: è il contenitore in cui confluiscono anni di terrore, stigma, sessuofobia, omofobia, ricerche scientifiche, morti, ma non dice nulla di lui. Oggi avere l’HIV significa solo assumere una pillola al dì e fare controlli medici periodici, come milioni di persone nel mondo per infiniti possibili motivi.
Corpi Minori tratteggia il percorso che permette di uscire dall’ottica della cura, dallo stato di mera necessità, per approdare alla propria realtà desiderante. L’esigenza di fuggire dalla tossicità asfittica di un ambiente familiare in un paese degradato è il doppio della scoperta della malattia, entrambi punti di partenza per la riacquisizione del desiderio.
Tutti i corpi sono minori dinanzi alla tensione desiderante: corrono e gravitano attorno a enti corporei dalle proporzioni infinite e perfette, designandoli come stelle e pianeti da raggiungere, ragioni alla base dell’intero ordine esistente.
La poetica dei corpi minori abita la famiglia di Jonathan Bazzi: il fisico trova vie che il linguaggio non è capace neanche di cercare. Nella madre la depressione e l’epilessia, nella sorellastra il vomito e le macchie chiare sparse sulla pelle, nel padre la leucemia, in lui la balbuzie, le crisi depressive e l’HIV: tutte forme primordiali di volontà non ancora accortasi di sé stessa.
Il sesso occasionale è da lui vissuto allo stesso modo, come deprivazione della propria sfera desiderante. Esclusa la parte istintuale, tutto nell’io è dissolto: la cancellazione della libertà lo riduce a mero vettore, espropriato da sé. Essere sottomesso alla tirannia di quel “riflusso invischiante che cancella tutti i desideri tranne uno” lo conduce ogni volta all’autopunizione che ha il volto di una manicheistica disunione. I ragazzi giovani, bellissimi ed eterei di cui si innamora sono angeli non contaminabili con rapporti carnali. Uomini attempati, brutti e possenti sono invece gli unici predisposti al teatrino del sesso come violento atto predatorio.
La rinascita può essere tratteggiata solo nell’autentico desiderio amoroso: scoprire il fegato come Prometeo e lasciarlo divorare agli avvoltoi, esporsi alla furia omicida dell’altro, simulacro di Dio. Si diventa dediti al culto degli spettri che si frappongono al reale: ogni atto, parola, espressione e intonazione di voce può innalzare al divino o far precipitare negli inferi. Impercettibili differenze possono sanare e beatificare o uccidere e dannare per sempre.
Tenere stretto a sé l’altro, sottoporsi a un “addomesticamento” reciproco, come la volpe e il Piccolo Principe, costi quel che costi, è un prepotente atto di sopravvivenza, in cui l’amante rischia di diventare uno dei fattori di costo. In nome dell’ossessione, si è disposti a sradicarlo, rendendolo privo di un passato e di un futuro, e a farne un soprammobile borghese, una sorta di “bonsai su un tavolino di cristallo”.
Jonathan Bazzi dispiega la fenomenologia di un desiderio che si vivifica nutrendosi di sé stesso, si dilania fino a esaurirsi, non riconoscendosi più.
Una voce dalle infinite forme, ma sempre uguale, martellante, ripete che tutto è finito, spacciato, irrecuperabile. “Perlustrare i confini proibiti” diviene la strategia da opporle: sfidare i fulmini tenendoli tra le mani, mantenere la mente salda dinanzi alle perturbazioni di un unico asfissiante pensiero intrusivo. Rendere impotente l’ossessione della fine a suon di risate è l’unico modo per soffiarla ai bordi, arginandola, perché non c’è spettro maligno che sappia “mantenere consistenza davanti al ritmo improvviso che altera la mimica e la respirazione”.
L’unione del sé è presentata come non indispensabile alla vita a fronte del racconto: si può andare avanti anche a pezzi, purché si abbiano le parole giuste per portare alla ribalta i propri fallimenti, appropriandosi una volta per tutte di sé stessi. Narrare è l’arte di ritrarre un corpo che si inceppa, un movimento che si arena, salvando la vita dal suo nevrotico arrovellarsi.
“Séraphîta” è un romanzo di Balzac che ci interroga sul mistero dell’androgine: può una persona trovare la propria perfezione nel superamento della dualità?
Dal 2 al 4 dicembre 2021, si è svolta l’undicesima edizione di “Divergenti – Festival Internazionale di Cinema Trans”. Il titolo dell’edizione è lapidario: “Trans, e basta”. Non allude solo all’esclusività dell’argomento, ma anche alla negazione della soggettività: le vite delle persone transgender sono state (e sono) segnate dalla continua cancellazione della loro reale identità. Questo è sottolineato anche dalla scelta del nero come colore del manifesto.
Il festival è stato progettato e realizzato dal M.I.T. – Movimento Identità Trans, con la direzione artistica di Nicole De Leo e Porpora Marcasciano. Le pellicole proposte sono considerate il meglio della cinematografia internazionale dedicata all’immaginario transgender. L’intento è quello di rappresentare l’identità transgender in continuo mutamento, sfidando gli stereotipi negativi e abbattendo i pregiudizi.
L’XI edizione di “Divergenti” ha visto (fra gli altri contributi) quello della Regione Emilia-Romagna, nonché il sostegno dell’UNAR. Ha collaborato la Cineteca di Bologna e ha dato il proprio patrocinio l’Ambasciata Argentina in Italia. L’evento è stato realizzato nell’ambito del Patto di collaborazione generale per la promozione e la tutela dei diritti delle persone e della comunità LGBTQI nella città di Bologna.
Il festival è stato suddiviso in due sezioni: una in presenza, al Cinema Lumière di Bologna, e l’altra on line, su Docacasa.it . Da quest’ultima sono stati tratti i film di cui parla questo articolo.
Il festival ha visto l’anteprima italiana di Caer, il cinedocumentario diretto da Nicola Mai. Esso è frutto della collaborazione con Transgrediendo Intercultural Collective, un’associazione che difende i diritti delle donne transgender sudamericane immigrate a Queens, uno dei più vasti borghi di New York e corrispondente all’omonima contea.
Il film, prima di tutto, è un tributo al lavoro e all’eredità morale di Lorena Borjas, la “mamma” delle donne transgender latine di Queens: è stata una delle prime vittime del Covid-19 a New York, deceduta il 30 marzo 2020.
Caer, oltre che un documentario d’argomento sociale, è un esperimento di metacinema. La vita delle protagoniste è narrata come se fosse un film, traendo spunto da biografie reali; a tratti, la ricostruzione cinematografica s’interrompe per mostrare lǝ sociǝ del collettivo intentǝ a osservare e commentare la pellicola. Nicola Mai ci mostra così il meccanismo narrativo alla base dell’opera, per permetterci di soppesare quanta realtà vi sia in quello che noi vediamo sullo schermo. Un film, per quanto documentario, non è mai spontaneo e senza filtri; ma le storie che scorrono sotto i nostri occhi sono accadute veramente. Le protagoniste non hanno quella faccia e quel nome, ma esistono. Sono ragazze che hanno dovuto affrontare non solo il disconoscimento della loro identità di genere, ma anche lo sfruttamento sessuale da parte dei compagni, l’impossibilità di trovare un lavoro “diurno”, i frequenti arresti e il moralismo sulla loro condizione. Debbono anche pensare a “regolarizzare la propria posizione” di immigrate, anche se questo non risolverà tutti i loro problemi. Vogliono avere la possibilità di vivere alla luce del sole, di uscire dal “ghetto” in cui la società le ha relegate; ma desiderano anche rimuovere lo stigma che pesa sul lavoro sessuale. Il titolo spagnolo, Caer, significa “cadere”: le protagoniste del film continuano a “cadere” in abusi e arresti, ma anche a rialzarsi e continuare a vivere. Arriverà un giorno in cui la loro strada sarà più piana?
Irreversibile è un cortometraggio diretto da Matteo De Liberato. È la storia di un giovane clown di corsia che qualcuno direbbe “effeminato”. Di giorno, fa sorridere i bambini ricoverati in ospedale. La sera, si trasforma in una sensuale drag queen con il talento per la danza. Peccato che il padre di uno dei suoi pazienti preferiti sia fortemente omotransfobico. Il ragazzo che ha aiutato a guarire le ferite nell’anima di tanti piccoli ne riceverà in cambio altre, forse impossibili da cancellare.
Una donna pipistrello è… metà topa e metà uccello. È una battuta di gusto discutibile per riferirsi alle donne transgender. L’espressione è stata scelta per intitolare il documentario dedicato a Romina Cecconi, una delle prime donne transgender note al pubblico in Italia. Il film è del 2015 ed è stato diretto da Matteo Tortora e Francesco Belais.
La vicenda è narrata dalla protagonista stessa. La pellicola include materiali d’epoca.
Romina Cecconi nacque come Romano a Lucca, il 4 luglio 1941. Fin da giovanissima, ebbe la consapevolezza di essere donna e indossò abiti femminili. Peccato che questo fosse reato di travestimento in pubblico. Non parliamo poi dello stigma, che non ha bisogno di presentazioni.
Romina dovette andarsene da casa e raggiungere Firenze. Trovò posto al Gratta, un circo itinerante, dove ballava il bolero e si vestiva da Brigitte Bardot. Il suo numero fu però cancellato in quanto “scandaloso per i giovani”. Tentò la fortuna a Parigi, presso il locale “Chez Madame Arthur”. Cominciò qui la sua trasformazione fisica. Tornata a Firenze, raggiunse una certa fama. Le sue passeggiate notturne in abiti femminili le costarono continue multe. Per poterle pagare e risparmiare i soldi necessari al cambio di sesso, Romina cominciò a prostituirsi sul Lungarno, col nome d’arte “la bella Romanina”.
Subì imposizioni di “coprifuoco”, visite psichiatriche obbligate, incarcerazioni. Le toccarono anche tre anni di confino a Volturino di Foggia. Ma, nel 1972, scappò a Losanna, in Svizzera, dove aveva già preso appuntamento con un chirurgo per farsi operare. Lassù, fece anche conoscenze illustri. Questo non le evitò il suddetto confino, al suo ritorno in Italia. Scelse di presentarsi a Volturino in modo sexy ed eclatante, divenendo facilmente una celebrità nel foggiano.
A Firenze, ottenne finalmente il cambio di genere sui documenti e si sposò. Nel 1976, un suo amico giornalista l’aiutò a pubblicare la propria autobiografia, che ebbe un gran successo. Dopo l’epoca delle multe e della repressione, iniziò quella dell’attenzione morbosa: arrivarono interviste televisive e servizi fotografici osé. Tutta questa celebrità aprì però anche la strada al superamento della transfobia e alla legalizzazione della condizione transgender.
L’espressione “donna pipistrello” fu coniata proprio per Romina. Era un soprannome pruriginoso e volgarotto; ma, dopo l’esame della sua vita unica, travagliata e mai vittimistica, assume un sapore quasi mitologico.
Red Shoes. Il figlio del boss: sembrerebbe uno di quei film a sfondo mafioso tanto cari alla produzione nostrana. Effettivamente, c’entra la criminalità organizzata, perché la protagonista è la figlia (transgender) di un camorrista. È anche una persona realmente esistente: Daniela Lourdes Falanga, presidentessa di Antinoo Arcigay Napoli. Il documentario sulla sua vita è stato diretto da Isabella Weiss.
In famiglia, Daniela non respirò certo aria di parità di genere e accettazione delle persone LGBT. I modelli ricevuti erano (senza mezzi termini) violenti e maschilisti. La madre, per prima, faticò a riconoscere nel “figlio” una ragazza. Durante l’infanzia di Daniela, censurò qualsiasi suo atteggiamento e qualsiasi sua preferenza, pensando di dover “correggere la sua omosessualità”. Questo non impedì alla figlia di riconoscersi come donna e di trovare modelli femminili di riferimento. Quelle “scarpe rosse” del titolo, note come simbolo della violenza di genere, sono anche un segno della sua vera identità.
Oggi, Daniela non solo ha “rotto la tradizione” di presidenza maschile alla guida dell’Arcigay napoletana, ma ha anche un compagno transgender come lei. Pasticcere di mestiere, si è reso conto di quanto il passato dei ragazzi FtM venga più spesso invisibilizzato, rispetto a quello delle donne MtF. Con Daniela, fa progetti per il futuro: un figlio, forse?
Quanto a lei, suo padre è attualmente all’ergastolo. Daniela ha potuto quasi miracolosamente recuperare il rapporto con lui in età adulta, farsi raccontare il suo passato di carcerato precoce. Anche la madre, ora, la riconosce e la sostiene. Un lieto fine che attende un avvenire.
Erica “Eric” Gazzoldi
Il testo di Torna a casa dei Måneskin parla del nuovo Olimpo. Il sound è piacevole, pulito e semplice. Dopo il terzo ascolto della canzone – la radio la mandava in onda ‘spesso’- una domanda comincia a prender posto in testa:
Capisco che è un’entità generosa, vitale e imprevedibile, un’entità che, quando alzi lo sguardo oltre il naso, è probabile INCONTRARE ma raramente riconoscere.
Siamo educati a guardare per categorie e ciò che oggi spesso inquieta molti è non riuscire a leggere con le proprie categorie il reale. Marlena pare abiti proprio il mondo del rimosso e dell’innominato.
Forse Marlena è qualcosa che manca e a cui aneliamo.
Torna a casa dei Maneskin parla del nuovo Olimpo
“Perché la vita, senza te, non può essere perfetta”
Come l’Olimpo classico rispecchiava le aspirazioni di armonia del mondo classico, anche l’Olimpo del postmoderno rispecchia la nostra ricerca di integrazione. Perfezione è compimento e realizzazione, è aderenza tra idea e realtà. Cosa fare se invece il linguaggio, che disegna il reale, proprio non riesce a diventare la realtà?
Comincia la ricerca di un linguaggio che possa raccontare ciò che siamo. Fioriscono parole e desinenze con cui il ‘politicamente corretto’ cerca di correggere l’imperfezione che genera esclusione di pezzi di Noi e quindi del reale.
Allora è così: quando il linguaggio comprenderà la realtà, Marlena tornerà a casa?
I tanti pezzi che ci compiono come persone, rendendoci ‘perfetti’, il nostro linguaggio non riesce proprio a indicarli senza paradossi e contraddizioni.
Cantano i Maneskin “Voglio arrivare fin dove l’occhio umano si interrompe”
Non parlo del ‘possiamo essere’ che il virtuale ci regala, ma della molteplicità tutta scritta sui e nei nostri Corpi. Ci hanno insegnato che siamo individui a cui la nostra identità è legata e da cui dipende, ma l’entità individuale non ce la fa a contenere il flusso che ci attraversa in ogni istante, nutrito dai nostri sensi e dalla nostra memoria corporea. Allora tutto quello che non è contenuto nel linguaggio, diventa desiderio e nostalgia, se non addirittura rimosso e demonizzato e fatto dimorare nel calderone delle nostre paure come minaccia alla nostra ‘perfezione’.
Il nostro spazio, oggi, è così pieno di stimoli, di segni e di informazioni da sembrare sempre gravido della ‘grande soluzione’: il ritorno di Marlena a casa, l’azzeramento della distanza tra Noi e le parole che ci raccontano.
Una foglia è la foglia, non tutte le foglie, ma proprio ‘questa’ foglia. Noi vorremmo che il linguaggio ci riconoscesse non come categoria ma come entità pulsanti dell’esserci. Altrimenti
“…ho paura di sparire”
Eppure Lei non torna a casa.
Marlena è Dea che si palesa in ciò che stona, disturba la simmetria, spezza la linearità ed è politicamente, indecentemente scorretta perché imbarazzante per la maggioranza nonché per i nostri ego abituati al narcisismo che la società promulga a piene mani.
Marlena è corpo e voce di ciò che di Noi il linguaggio non riesce a contenere.
Se Marlena tornasse a casa, varcata la soglia sparirebbe, sguscerebbe via.
E così, quel Refrain, si attacca ai nostri sensi, ed è il senso di mancanza e di un vuoto, eco di un’occasione perduta e di un destino irraggiungibile.
Credo che non sia il linguaggio a poter colmare quel vuoto, lo può solo lo sguardo dell’Altro,
non stiamo in una rete fitta di relazione, noi SIAMO quella rete e in questa rete ci sono due fili:
uno ti porta a casa, dove tutto ti rispecchia, e l’altro ti porta fuori a con-fonderti con l’Altro
“Nel dubbio che fosse morte oppure rinascita”
La morte forse è quella dell’Io, che diventa ‘NoiAltri’ frutto delle nostre relazioni e della storia molteplice che siamo.
Dedicato a chi dimentica di alzar lo sguardo oltre il naso e sceglie di non guardare l’Altro per la paura di perdersi nella meravigliosa imperfezione che siamo.
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L’immagine di un ragazzo senza vita, sdraiato per terra, freddato con un colpo di pistola allo zigomo è questo ciò che ricordiamo del G8 di Genova, insieme al sangue che bagnava il pavimento della scuola primaria Diaz. Stiamo parlando di Carlo Giuliani, un ragazzo di ventitré brutalmente assassinato dallo stato italiano.
È il 2001 e a Genova le proteste infiammano la città. Presso Palazzo Ducale i potenti della terra si ritrovano per parlare di futuro, mentre fuori, nelle vie del capoluogo ligure, migliaia di persone sfilano lungo Corso Europa e dintorni per chiedere un mondo migliore e pace, sono i no-global, i “fricchettoni, i comunisti e le zecche”. (Termini usati dalle forze dell’ordine per indicare i manifestanti. Fonte: https://www.internazionale.it/notizie/2021/06/10/limoni-podcast-g8-genova)
È il 20 luglio quando la tensione inizia a salire e le forze dell’ordine perdono totalmente il controllo della situazione. A Piazza Alimonda, zona Foce, sono molti i manifestanti, tra loro c’è Carlo, un ragazzo politicamente impegnato, che ha svolto il servizio civile presso Amnesty International a Genova e la città la conosce bene, lui che di origini è romano. Carlo è tra di loro e nella foga alza l’estintore che ha trovato a terra, il carabiniere Mario Placanica che si trova sul defender spara un colpo che colpisce Carlo allo zigomo. Nella ricostruzione dei fatti i tre agenti presenti diranno di essersi allontanati dalla confusione e che non si accorsero di essere passati due volte sul corpo di Carlo a terra.
L’immagine di Giuliani con il passamontagna e l’estintore alzato in aria è il simbolo di una generazione, e di quelle successive, quelle che a lungo hanno continuato e continuano a manifestare per un mondo migliore. Ed è proprio parlando di futuro che in molti si sono interrogati sulla vicenda cercando di sottolineare sempre vittime e colpevoli.
Ci si chiede, vent’anni dopo quegli scontri se sia ancora possibile parlare di Carlo Giuliani in maniera differente, senza scadere nella retorica subdola tra colpevoli e vittime. Ci è riuscito Gianluca Staderini che ha pubblicato a giugno 2021, con la casa editrice Red Star Kids un volume dedicato proprio a Carlo intitolato «Di tutti i colori. Un bambino di nome Carlo Giuliani». Staderini, grafico di professione, realizza un’opera magistrale che insegna ai più piccoli il valore della libertà. È tuttavia un volume capace di insegnare anche ai più grandi che l’impegno civile nasce fin dall’infanzia. Le sue sono pagine cariche di significato che riempiono lo spazio bianco; parallelismo con la divisione della città di Genova in quelle giornate afose di luglio 2001, grazie all’invasione del colore.
È proprio la netta contrapposizione di un bambino che cresce fuori dagli schemi, che scappa dall’asilo nido, che canta, ad invadere lo spazio della pagina vuota.
L’importanza di questo testo non risiede solo nel profondo ruolo educativo che esso riveste, ma anche nella collaborazione che l’autore ha condotto con la sorella di Carlo, Elena. Insieme hanno presentato l’opera alla XXXIII edizione del Salone del Libro di Torino mostrando all’Italia intera che la memoria va preservata fin dalla giovane età e non solo quando giunge la morte di un individuo. Dovremmo infatti imparare che prima di essere stati adulti e giovani siamo stati anche bambini, che abbiamo imparato a camminare e perfino a pensare e questo libro ci ricorda davvero le origini della nostra coscienza critica.
In questo testo Carlo, detto “picinin”, si trasforma in un pesciolino che ama tuffarsi nel mare, in Ulisse che viaggia verso terre sconfinate che vuole conoscere il mondo, in un ragazzo innamorato di Emanuela e amante degli animali.
Negli anni è stato difficile parlare di Carlo Giuliani con cognizione di causa e con passione, è stato difficile accettare per la famiglia, che un giovane di appena ventitré anni venisse brutalmente ucciso da chi dovrebbe tutelare l’ordine pubblico. Il settimanale «L’espresso» l’11 luglio 2021 ha pubblicato un lungo articolo in cui si evidenziavano le lacune giudiziarie protratte negli anni delle vicende del G8. Di Carlo si è discusso molto, ma solo in termini di colpevolezza, mai di assoluzione, eppure oggi, a vent’anni da quel giorno, Carlo è diventato il simbolo come raccontano gli Assalti Frontali in una delle loro canzoni:
Fino all’ultimo è rimasto davanti fino ad alzarsi con un estintore in primo piano ci ha insegnato a vedere cos’è un essere umano. (Assalti Frontali, Rotta indipendente)
Dunque è necessario credere e lottare sempre per quel principio di colore che deve restare nei nostri cuori. Anche i più giovani possono cambiare il mondo, e non solo i potenti della terra, Carlo ce l’ha insegnato e Gianluca Staderini ci ricorda che dobbiamo parlare ai più piccoli di attualità, che possiamo raccontare e che dobbiamo farlo con tutti gli strumenti possibili che possediamo, affinché la nostra memoria non appassisca diventando un mero spazio bianco.
Sex Education è una serie televisiva britannica del 2019 arrivata alla terza stagione.
Nel corso degli episodi seguiamo le vicende dei due protagonisti, Otis e Mev, e dei lori amici e compagni del liceo Moordale. I ragazzi nel corso del tempo si troveranno ad esplorare la sessualità abbandonando la retorica della soppressione degli istinti e dei non detti, preferendo una narrazione più schietta, approfondita ed accogliente verso la diversità.
Nella terza stagione incontriamo il personaggio di Cal, non binary che in lingua inglese adotta i pronomi They/Them. Cal fin da subito entra in conflitto con la politica restrittiva di una scuola che nemmeno concepisce il concetto di non binarietà.
Cercano di imporlə una divisa scolastica che non lə mette a suo agio, non sanno cosa fare quando la scelta di dividere il corridoio o le classi secondo i due generi maschile e femminile non può (e non deve) adattarsi a ləi.
Non solo, Cal si trova a dover difendere la sua identità anche nella vita privata, quando il suo ragazzo Jackson non lə comprende a fondo e ha difficoltà nel non considerarlə una femmina.
Di grande impatto anche una scena nel finale di stagione, quando Cal si trova ad insegnare l’uso di un binder ad unə compagnə di scuola anch’essə non binary, Layla, occupatə nel compiere i primi passi alla scoperta del suo vero io.
Molti di di noi sicuramente avrebbero voluto unə Cal accanto in questa fase della vita.
Come non citare in ultimo lo splendido dito medio alzato contro la preside, durante un saggio che avrebbe avuto come fulcro un anacronistico ritorno all’ortodossia educativa e che invece diventa un canto liberatorio celebrante la sessualità.
L’artista che interpreta il personaggio di Cal è Dua Saleh, musicista di Minneapolis originariə del Sudan. Anche nella vita reale Dua si identifica come persona non binaria, e così come il suo alter ego “rompe gli schemi e tutte le regole”, militando in associazioni LGBT fin da giovanissimə nonostante un ambiente familiare religioso e reticente ad accogliere la sua identità.
Quanto è importante la rappresentazione della comunità non binary al grande pubblico?
Risposta breve: tanto.
Possiamo però arrischiarci nel fare qualche altra riflessione.
La rappresentazione nei media di massa di una comunità risulta fondamentale per palesare l’esistenza della comunità stessa. Se non si parla di qualcosa, quella cosa non esiste. In barba al pensiero tutto piccolo borghese, votato alla vergogna ed alla falsa modestia, che promette la libertà di poter fare tutto e di poter essere ciò che si è ma solo nel segreto delle proprie quattro mura, come se il mondo fosse una sfera sorda ed imperturbabile, da privare di quelle persone coraggiose che vogliono vivere la loro vera identità alla luce del sole.
Come se la nostra identità fosse un capriccio, una sciocca vanteria messa su per condire un’interiorità vuota. Incredibile doverlo dire, ma non è così.
Alle spalle di una persona che si distacca dal binarismo di genere c’è tanto coraggio, tanta consapevolezza, e purtroppo per molti di noi, tanta sofferenza.
Nella speranza che lə nostrə beniaminə ritorni più forte e più in gamba di prima nella quarta stagione, ci auguriamo che la rappresentazione della comunità abbia sempre più peso in futuro.